Una tipica gondola veneziana si aggira tra i canali di Porto Marghera; il gondoliere che accompagna gli avventori non narra però del Ponte dei Sospiri o di Rialto, ma dell’archeologia industriale tra i canali Porto Marghera; non della Callas o di Casanova, ma delle canzoni tipiche dei lavoratori negli anni d’oro del Petrolchimico; dell’ascesa e del declino di importanti nomi dell’industria chimica; dell’infiltrazione delle BR a Marghera, degli anni di piombo; di Giuseppe Volpi (a cui è dedicata la Coppa Volpi al Festival del Cinema) tra i padri del progetto della Grande Venezia, per cui Porto Marghera fu immaginata e realizzata (a metà del Novecento) così da “offrire un futuro alla Venezia storica e lagunare”. L’opera intende riconnettere questi due paesaggi e queste due Venezie, considerandole come un unicum, concentrandosi sulla rielaborazione del tipico impianto drammaturgico recitato a bordo della gondola, per argomentare prospettive, aspetti storici e un dibattito necessario sul futuro di Porto Marghera e sullo sguardo tossico da turista mordi e fuggi.

In continuità con la sua fascinazione per il medium della ceramica l’artista, in collaborazione con il MIC di Faenza, propone un dialogo con le parti nascoste al pubblico del museo, attraverso un’investigazione sulla conservazione della ceramica. Arancio lavorerà a un video, proponendo una poetica rilettura dei depositi e del laboratorio di restauro, dove da anni, si lavora per ricostruire le opere della collezione danneggiate durante il bombardamento dell’ultima Guerra.

Insieme al video, una serie di sculture in ceramica sarà realizzata, a quattro mani, con le restauratrici: il lavoro sarà portato avanti senza ordini gerarchici tra artista e artigiano, assemblando insieme elementi creati dalle diverse mani, modellando partendo da un’interpretazioni immaginifica, legata alla memoria di opere restaurate in passato. Il progetto vuole così affrontare temi legati alla fragilità, narrando come l’eccellenza e “know-how” italiano sia in gradi di riordinare il caos, dando una seconda vita a opere che andrebbero altrimenti perdute.

L’opera che sarà prodotta è un dipinto realizzato su un rotolo di carta lungo dieci metri. Il soggetto dell’opera sono radici e grandi tronchi d’albero, coerentemente con il lavoro che l’artista porta avanti da più di un anno e, nello specifico, si tratta di tronco che si sviluppa per l’intera lunghezza dell’intero rotolo. Tale rullo, assicurato alla parete a ridosso del soffitto, sarà srotolato fino al pavimento, rivelando la porzione di albero pari all’altezza dell’ambiente in cui sarà installato. Il rapporto di dipendenza che si crea tra il rotolo e l’altezza dell’edificio che lo ospita, crea un’opera continuamente variabile e diversa, presentandosi come una riflessione sulla relazione che si crea tra il naturale e il costruito.

In Verdrängung, l’utilizzo di una tecnica terapeutica (la TMS) ci costringe a riflettere sulla necessità o meno della rimozione come pratica imprescindibile, per la costituzione di un’identità ideale. Il nostro comportamento, quello più pervasivo e doloroso, soggiogato da forme di dipendenza inestinguibili, influenzato dal dolore che un dato evento ci ha procurato, diventa un “oggetto” da rimuovere completamente, rapportandoci al grado zero della nostra storia. Il progetto vuole essere una riflessione, da una parte, su questa pratica terapeutica, oggi sempre più diffusa, dall’altra parte, invece, sulla dinamica, anch’essa così presente nel panorama della cura contemporanea, in cui l’evoluzione tecnologica diventa lo strumento chiave di un sistema economico, orientato verso una richiesta sempre più pressante di risultati immediati e quantificabili. La rimozione, cosiffatta, rischia di diventare un passaggio fondamentale, all’interno di un processo di costruzione di un corpo, la cui storia può essere improvvisamente e pericolosamente riscritta.

La crescita costante di app e software connesse con l’intelligenza artificiale (AI) utilizzati per migliorare il benessere degli utenti e fornire supporto per superare ansia e solitudine, sta creando nuove questioni sociali ed etiche legate alle risposte emotive e psicologiche generate negli esseri umani nei confronti dell’AI. Gli assistenti virtuali stanno offrendo qualcosa di nuovo in termini di interazioni tra l’uomo e l’AI, una interazione emotiva, e gli esseri umani stessi stanno cercano una maggiore profondità emotiva con la tecnologia. Partendo da queste premesse il progetto di Pamela Breda mira a studiare le crescenti interazioni tra utenti e AI in relazione all’affective computing, sistemi in grado riconoscere, interpretare, rielaborare e simulare le emozioni umane. La metodologia adottata è quella dell’etnografia sensoriale e il lavoro finale sarà composto da un film e da un video sperimentale. Cuore dell’opera è l’indagine sullo sviluppo di applicazioni virtuali progettare per mitigare problemi di salute mentale, disturbi d’ansia eant dell’umore. Le domande che Breda si pone sono: in che modo le interazioni tra utenti e assistenti virtuali influiscono sull’essere umano? Quali risposte emotive generano? Percepiamo ancora l’intelligenza artificiale come qualcosa di altro da noi o ci immedesimiamo con la stessa come faremmo con un altro essere umano?

L’opera presentata è un Autoritratto, composto da 29 disegni, matita su carta, ciascuno cm 21 x 29,7.
Incorniciati con cornice argento e vetro antiriflesso cm 30 x 42, implicitamente ispirato a Carla Lonzi e al suo celebre volume di interviste.
L’autoritratto, scomposto in innumerevoli disegni, si ricompone nella sintesi immaginaria di tutti i volti insieme. Chiara Camoni descrive i ritratti come «io-vecchia, io-nei miei incubi, io-piccola o ragazzina, io con connotati scimmieschi o mostruosi, io con tracce di riferimenti artistici del passato, io sfuggente, io-uomo, io in abiti rinascimentali, io-scomposta, io-severa, io che occhieggio, e così via…», una pluralità che si rende disponibile all’identificazione dell’osservatore.
Camoni parla così della sua pratica: «Mi guardo in maniera fissa allo specchio o nel riflesso di qualche vetro, senza però posare lo sguardo sul foglio. Cerco una concentrazione introspettiva, scavando nei lati più reconditi. Metto in scacco la mano, la sua abilità – in ogni caso lei se la cava. A volte il disegno riesce subito, altre volte devo farlo e rifarlo ancora. Al termine del disegno mi “appaio”, inedita a me stessa. Mi immergo in un topos della tradizione, che per tanta arte contemporanea è anche tabù, ma essenzialmente indago la realtà, la mia vita, cerco delle risposte. Proprio qualche giorno fa leggevo in un libro di Roberto Calasso: “Così vanno trattate le questioni più ardue: si incontra un cane acciambellato o qualsiasi cosa ¬– e allora si si decide che lì deve essere la risposta. Se una risposta non è in qualsiasi cosa non sarà da nessuna parte.”»

Drive Tour è l’evoluzione fotografica di due progetti interdisciplinari, My house is a Le Corbusier e Drive. Come gli altri due si tratta di un lavoro itinerante, che unisce l’architettura, il design, il viaggio e il paesaggio: una costellazione di percorsi che porta l’artista a spostarsi dal suo borgo nativo in Sardegna, verso le principali città italiane ed europee. In strada è a bordo di una Fiat 127 Special chiamata “Camaleonte” ideata da Chironi stesso per via della sua capacità di cambiare colore a seconda dei posti in cui si ferma e seguendo gli accostamenti cromatici tipici delle architetture in cui l’artista vive e lavora su dodici paesi al mondo. Chironi sta sviluppando nel tempo una ricerca sull’abitare, mettendo a confronto visioni strutturate e storiche in campo architettonico con l’evoluzione del vivere contemporaneo. L’artista desidera reinvestire questi viaggi nella valorizzazione fotografica dei vari step in diverse città, creando una trama visiva in cui l’auto viene immortalata insieme al patrimonio culturale e artistico, facendosi misura di uno spostamento e allo stesso tempo marcatore del luogo visitato. Un viaggio fatto di strade parallele, corrispondenze generazionali e visioni fuori dal finestrino.

Il progetto Tevere Expo vuole riesumare l’anima inconscia del fiume e, di riflesso, anche la nostra: quella clandestina data per scordata e mai condonata. Scarti, rifiuti, oggetti smarriti, affogati in un naufragio all’inizio privato e poi pubblico, che dall’acqua affiorano all’aria, immagini torbide e sfocate che diventano alternative a realtà ineluttabili: quelle della non curanza e dell’abbandono. Il titolo fa riferimento, con intento pop e sarcastico, a una manifestazione serale estiva che ogni anno si tiene lungo il fiume. Il progetto prevede un’installazione urbana con una selezione di 15 maxi-fotografie della misura di cm. 200 x 300 applicate su cartelloni pubblicitari in prossimità dei luoghi della cultura e delle istituzioni di Roma, protagoniste di una singolare campagna promozionale che in maniera democratica e popolare, sponsorizzano l’inutile, il frammento, l’inservibile. Il Tevere esonda metaforicamente in strada, sale nello spazio pubblico come forma di denuncia poetica che reclamizza la sua anima e ne rivendica il lato più visionario. I manifesti faranno da specchio etico, pretesto simbolico ed estetico a valenza universale per riflettere e riflettersi. Accompagnerà l’opera un video artistico-documentativo e stampe digitali di alta qualità che illustrano l’installazione urbana.

RGB (skin) si compone di due sculture in gommapiuma rivestita di tessuto. RGB (skin) è una forma uguale e ripetuta: la superficie cromatica dei tessuti, nel rivestire le sculture, crea differenze anche sottili. Il progetto si pone in continuità con altri dell’artista sullo stesso tema e si espande verso una dimensione intermedia tra un’evocazione di elementi archeologici e richiami al paesaggio fantascientifico. L’origine delle texture e dei colori è il risultato meccanico della relazione tra la tela e lo scanner e la “post produzione” usando software digitali. La forma in gommapiuma che dà volume e corpo alla scultura ha una geometria di partenza potenzialmente funzionale: molto spesso l’artista ha osservato nei laboratori di produzione industriale forme simili.
Collocati nello spazio, questi lavori si mostrano come evocazioni archeologiche o richiami a un paesaggio fantascientifico, ma nella variazione delle forme e delle superfici, nella quale la struttura si ripete o viene contraddetta, si ritrovano spesso riferimenti alla musica. La tradizione della drone music e della No wave in particolare intendono il volume sonoro come materia, o i loop tipici della psichedelia aprono questi tipi di possibilità, trasferibili anche nella fisicità di una scultura. RGB (skin) interroga la caduta della linearità della visione e la sensibilità aptica dello sguardo, in un’idea di “bassa definizione” nella quale il visuale non vuole nascondere la parte inerte del linguaggio, il suo riverbero materiale.

L’opera che sarà prodotta consiste in una video animazione che prende spunto dall’omonimo romanzo di Curzio Malaparte pubblicato per la prima volta nel 1944. A differenza dell’esuberante varietà di aneddoti, personaggi e visioni surreali narrati dall’autore a partire dalle sue esperienze in giro per l’Europa durante le Seconda Guerra Mondiale, la dimensione figurativa e narrativa del video è invece ridotta ai minimi termini, spesso al limite dell’astrazione. Accompagnati dalla traccia audio – un’incalzante base ritmica – vediamo apparire macchie sulle pagine di un libro, che finiscono per occupare l’intero spazio visivo; compaiono un paio di occhi sgranati che sembrano vagare in un luogo oscuro: di chi sono? cosa guardano? I frame del video corrispondono ad altrettante pagine originali di una copia del romanzo di Malaparte sovradipinte con acrilico. La fisicità del libro – il numero di pagine, il loro formato, la grana della carta e la parziale presenza dei caratteri tipografici – costituisce così al tempo stesso l’innesco, il supporto e il limite entro cui prende corpo lo spartito visivo.

Rimini Capitale Afro è una scultura ambientale che replica un frammento delle mura della Melody Mecca, una discoteca di Rimini che fu un luogo leggendario per la nightlife romagnola tra gli anni Ottanta e Novanta. Con “Afro” si intende una scena allargata sviluppatasi in quegli anni nella costa Adriatica italiana. La definizione è riferita alla commistione di generi musicali diversi che molti DJ dell’epoca suonavano nei loro set. “Afro” non necessariamente fa riferimento alla musica africana, ma secondo le parole di DJ Pery – resident della Mecca per quasi vent’anni – rappresenta «un’idea globale della musica».  Alla Mecca, infatti, si ascoltava una miscela di funk, disco, MPB brasiliana, musica sitar indiana, afrobeat e molto altro. Questa tensione all’esotismo (“Ritmo orientale” si legge su un altro muro della discoteca), è sottolineata anche dall’architettura del locale: un’area all’aperto coperta da un tendone che replica le strutture a volta dell’architettura araba. Il progetto si inserisce in un percorso storico-musicale che Invernomuto porta avanti da anni, a partire dal suono e dagli immaginari che genera. In particolare, il lavoro corre in parallelo a Black Med, un progetto di ricerca sonora sul Mediterraneo che il duo ha iniziato nel 2018.

Senza titolo, rivelazione di uno spazio domestico è un progetto che nasce nel tempo dell’isolamento per la pandemia, durante il quale riflettere sulla questione dell’abitare, più che una scelta, ha assunto il senso di una risposta agli eventi. Il progetto, infatti, scaturisce dalla condizione di totale impossibilità di accedere ai materiali della pratica artistica dell’autore. Lo studio, la prima stanza disegnata, da luogo usuale di lavoro è diventato l’oggetto e, insieme, il materiale dell’opera. Lo sguardo rivolto alla stanza-atelier si è poi indirizzato in modo radicale all’appartamento di cui lo studio fa parte. Rappresentare gli spazi, per riconoscerli e nominarli, è diventato un gesto di interpretazione del vissuto. La questione dell’abitate ha assunto oggi il ritorno alla dimensione privata a cui è stato necessario tornare, in particolare, uno spazio privato – reso performativo nelle “Skypecall” e nella dimensione dello “Smart-Working” – spazio per sé. La dimora è il luogo in cui si sovrappongono traiettorie esistenziali. Osservare con sguardo meticoloso lo spazio domestico ha assunto in questi mesi le caratteristiche di una pratica costante di costruzione e di progetto. Assumendo il senso della cura del luogo in cui l’artista vive, la pratica quotidiana del disegno del domestico e delle sue suppellettili è divenuta cura dello spazio – in cui ciascuno sviluppa e negozia le relazioni tanto con il dentro quanto con il fuori – e, quindi, cura del sé.

Il progetto di Elena Mazzi sviluppa una riflessione nata durante una residenza in Islanda nel 2018 che prevedeva l’analisi della “Via della Seta Polare”. Questo asse, che connetterà Europa, Russia e Cina aprendo una “rotta del nord”, si porrà in maniera alternativa rispetto a quelle marittime tradizionali e sfrutterà il sottosuolo dei mari artici che contengono il 20% di tutte le riserve del pianeta, tra cui petrolio, gas, uranio, oro, platino e zinco. L’opera consta di un video che documenta l’attività dell’Istituto CIAO, il nuovo osservatorio meteorologico-astronomico fondato per cementare l’accordo tra Cina e Islanda nel contesto della creazione della nuova rotta commerciale nell’Artico, nonché il paesaggio circostante, e si articola attraverso una serie di interviste a operatori del centro, studiosi, ricercatori e anche a politici locali. Accompagnano il video dei disegni che andranno a definire e identificare le vecchie e nuove rotte marittime. L’opera intende analizzare l’impatto che il cambiamento climatico provoca a livello geopolitico, oltre che geologico, cercando di sensibilizzare lo spettatore ai cambiamenti ambientali, interrogarsi sul significato odierno di mobilità e di quanto influisca sulla vita degli esseri umani e delle altre specie.

OHH! Stupore è un lavoro basato sull’emozione effimera dello stupore che deriva dall’esperienza sia del guardare che del fare. L’opera si compone di un arazzo/tappeto il cui disegno compone la scritta “O-H-H-!”, di una serie di oggetti/forme geometriche (cubo, piramide, sfera, cilindro) realizzati in materiali differenti che saranno attivati durante una performance. Durante l’azione, il performer sposterà le forme solide mentre produrrà con la voce il suono «O-H-H!». Il progetto si inserisce in una ricerca che Miliani porta vanti da anni attorno ai temi delle emozioni, della performance, del corpo, dell’azione e del linguaggio. Lo stupore al centro dell’opera è una metafora in grado di simboleggiare una serie di concetti collegati all’Italia e alla percezione interna ed esterna del nostro paese: una serie di concetti collegati all’Italia e alla percezione interna ed esterna del nostro paese: basti pensare all’idea di stupore nei confronti della grandezza antica relazionata all’esperienza del Grand Tour o connaturata a movimenti artistici come il Barocco o alla poetica di scrittori come Giovanni Pascoli, che ricercava nel “fanciullino” la capacità di tornare a sorprendersi. Lo stupore è inoltre elemento universale, così come la sua espressione: il suono «O-H-H-!» appartiene a ogni lingua e la stessa azione si adatta al luogo e al contesto in cui si manifesta.

Il titolo del progetto s’ispira all’hashtag diffusosi in Italia all’inizio della quarantena imposta per prevenire e contenere la diffusione del COVID-19. Costretto dentro le mura domestiche tra marzo e maggio 2020, l’artista ha avuto l’occasione di analizzare l’enorme archivio di Villa Martini, la casa in cui vive con sua moglie da circa cinque anni. Dal 2015 hanno iniziato ad accumulare e ordinare ogni tipo di materiale riconducibile alla storia dei Martini, l’unica famiglia che qui ha vissuto prima di loro. Fotografie, diari, libri, lettere, certificati e altro sono diventati i reperti di memorie perdute. Come archeologi, hanno scavato nelle vite dei componenti di questa famiglia e hanno trasformato le memorie di questi ultimi nella loro letteratura, nei loro fotoromanzi e album familiari. Un’esplorazione che li ha trasportati in un altro tempo, pur restando negli stessi spazi, in cui si sono sovrapposte le storie delle rispettive famiglie. Il film d’artista che sarà realizzato metterà in relazione materiale d’archivio e nuove produzioni audio-visive analogiche e digitali. L’archivio diventa una metafora per raccontare sé stessi attraverso oggetti e documenti; mentre i personaggi che l’hanno generato diventano i compagni di un viaggio a ritroso, in quell’Italia che dal Risorgimento a oggi, ha subito un profondo mutamento identitario.

I fondamentali pone questioni urgenti su senso, significato e valore di educazione, esperienza e arte all’interno di un sistema in crisi, segnato dai precari equilibri delle istituzioni culturali a livello internazionale. Dopo aver sperimentato, nel corso degli anni, saperi e pratiche non convenzionali in territori decentralizzati, la ricerca dell’artista si formalizza ora nella produzione di un’istallazione modulare composta da tre sculture luminose al neon che amplificano il dialogo interindividuale attraverso le grafie di studenti di diversa formazione e provenienza. Il cortocircuito generato dalla relazione tra le domande e la fruizione del pubblico genera uno spazio di condivisione in cui sarà possibile attivare, di concerto con l’artista, il dipartimento educazione del museo e gli istituti coinvolti, laboratori e incontri mirati a generare nuove forme di apprendimento e consapevolezza

Patrizio Decembrino, cinquant’anni anni fa, mosso dal desiderio di costruire una cappelletta per assolvere a un mandato che sentiva crescere dentro di sé, decide di realizzare nella mulattiera accanto a casa sua, un punto di ritrovo e di culto per i fedeli della zona. Il film racconterà, attraverso lo sguardo del suo protagonista, il trascorre del tempo degli ultimi cinquant’anni dedicati all’edificazione della Cappelletta intitolata alla Madonna del Tindari. Si tratta di un’architettura dal pensiero tanto fantastica quanto delirante, un sogno che ha dato vita alla sua idea di bellezza senza sottostare alle convenzioni sociali e lontano dalle finalità estetiche dell’arte tradizionale. Il tempo impiegato per la realizzazione della cappella sarà volutamente rappresentato come il tempo immaginato, il tempo come dimensione nella quale si concepisce e si misurano il trascorrere degli eventi. Accumulo di reperti, la cappella diventa un vero e proprio archivio della memoria in cui si esprime la dimensione immaginaria dell’autore, un uomo, un lavoratore, manovale e contadino all’occorrenza, che ha dedicato più di metà della sua vita a un progetto alimentato dalla propria utopia per la ricerca del suo mondo interiore.

Il progetto nasce dalla volontà di fotografare gli archivi e le collezioni presenti in Italia, un patrimonio spesso sconosciuto, ma denso di bellezza e di storia. Gli archivi selezionati raccolgono collezioni sia museali che private. Giovanna Silva ha lavorato negli anni fotografando in maniera non sistematica gli archivi in Italia, ma un invito avuto a inizio 2020 da parte del MACRO di Roma museo a fotografare ciò che non sempre è accessibile ai visitatori, per esporre poi al pubblico il risultato del suo lavoro, l’ha portata a prendere atto non solo del patrimonio contenuto negli archivi dei musei, ma anche della loro invisibilità. Al centro di questa indagine saranno circa trenta archivi di enti pubblici (tra i quali ASAC – La Biennale di Venezia, Archivi di Pompei, Archivio di Stato di Napoli, Archivio del MAXXI), di personalità del mondo dell’arte, dell’architettura e del design (Carol Rama, Achille Castiglioni, Enzo Mari, Renzo Piano) e altri in corso di definizione. Lo scopo dell’artista non è soltanto documentare il contenuto degli archivi stessi, ma il luogo e i metodi dell’archiviazione. Questo modo di fotografare gli archivi costruisce pertanto uno spazio narrativo all’interno del quale, oltre alle opere e ai documenti, è possibile raccontare i luoghi e, attraverso questi, l’Italia.

Mobili Radici è il progetto di un gruppo scultoreo inedito, composto da 21 elementi, 21 suole di scarpe, fatte di pane. Il progetto vuole ritrarre il mito del viaggiare, dell’odissea dell’emigrazione, di chi è partito per cercarsi il pane, portando le sue radici per il mondo. Fare il pane è un gesto quotidiano di archeologia culturale, significa ripercorrere i seimila anni della sua storia, e ricostruire i diecimila anni precedenti, quelli che hanno portato l’uomo a inventare la macinazione del grano e l’alleanza con il lievito, per passare dalla spiga alla michetta. La storia d’Italia è quella di un sapere alimentare profondo, radicato e immenso, ma anche quella di esplorazioni e pellegrinaggi, interni e globali. Mobili Radici racconta le ventuno regioni italiane con altrettante ricette, in pani di suole che sedimentano e riattivano un patrimonio materiale e culturale ricchissimo. Mobili Radici trasforma la fragilità biologica del pane in un laboratorio materico innovativo, in una fantasmagoria ludica, ma anche etica e politica. Mobili Radici ci ricorda che l’identità è costruzione in divenire, coagulo di materia e narrazioni.

Ritratto di famiglia in interni è un progetto artistico, documentario e antropologico che ritrae in modo originale lo “stato dell’arte” della famiglia contemporanea in Italia. Il progetto nasce sulla scorta di Family Affair, una serie di performance realizzate tra il 2015 e il 2018 in otto città europee e proseguite poi in Egitto, Grecia e Cina. La video-installazione che sarà realizzata da ZimmerFrei comprende un centinaio di ritratti video di persone di tutte le età, appartenenti a famiglie di diversa composizione, distribuite su tutto il territorio italiano. Sono dei ritratti che hanno tutti lo stesso formato: i soggetti sono al centro dell’inquadratura, inseriti nel loro ambiente domestico e posano come per uno scatto fotografico di lunga durata. La voce fuori campo di ognuno dei soggetti racconta un fatto accaduto nell’ambito della propria famiglia. Questi personaggi, invece che guardare l’obiettivo come in un comune ritratto, hanno gli occhi chiusi, ma appaiono assorti e vigili allo stesso tempo, in ascolto dei loro stessi pensieri e del flusso dei ricordi, così come dei rumori provenienti dal resto della casa. Dalla struttura di famiglie sempre più disseminate e reticolari emerge il valore della convivenza come socialità vissuta, progetto di società e comunità, invenzione del quotidiano, proiezione nel futuro, condivisione dei luoghi, logistica raffinatissima della gestione del tempo, arena di inevitabili conflitti, ma anche di inaspettate risorse e rigenerazioni.